拉格泰姆所使用的音乐语言基本脱胎于古典进行曲和民间舞曲，尚不具备像布鲁斯中的那种浓郁的黑人民间音乐特色。其最显著的特征是左手演奏稳定进行曲似的伴奏音型与右手旋律的精细切分节奏。实际上，“所谓的Ragtime就是Rag（褴褛的、细碎的）和time（时值、拍子）的复合，因此也有人将其意译为‘散拍’或‘碎拍’”。除了高音旋律与低音伴奏上的节奏对比外，在右手演奏的旋律中，切分与正拍节奏的对比也具有重要的意义。这种节奏上的延伸是拉格泰姆最为重要的音乐趣味所在。这些特征我们在上面的谱例中都可以很明显地看到。
（2）教学要点
①演奏前，可先让学生用双手击拍或双手弹奏单音的方式熟悉。
②拉格泰姆左手主要是波尔卡或进行曲式的伴奏音型，即在第一和第三拍上弹出和弦的根音或五音，而在第二和第四拍（弱拍）上奏出和弦。通常这种左手的横跨距离大致在一个八度左右。切分节奏与均衡不变的低音声部节奏由于强音交叉或重叠形成复合节奏。因此在演奏时左手是担任伴奏的陪衬角色，要突出右手的主旋律，并且需注重突出旋律中切分节奏的棱角。右手在整体节奏上需均匀而严格，以强化与左手正拍间的切分效果。
③很多学生在演奏拉格泰姆时把所有曲子都弹得很快。这是因为他们认为，爵士钢琴的速度都是快速的。当今所听到的一些拉格泰姆的演奏录音中，有许多也确实是采用了比较快的速度。这样的演奏固然可以造成热烈的现场气氛，但却使得拉格泰姆中特有的细腻节奏对置和句式伸缩受到损害。所以在演奏拉格泰姆的作品时，要适当地控制速度，用一种中庸的速度，去呈现一种较为优雅的“绅士气质”。
④在拉格泰姆中，主要的技术课题是双音、八度及和弦的练习。许多学生都认为，在爵士钢琴曲中的和弦都是吵闹、刺耳的。其实这是完全错误的，在爵士钢琴中，和弦依然需要根据乐曲风格采用正确的触键方法。旋律声部是连续性且规范的，八分音符为单位的切分节奏，伴奏声部则用中速带低音和弦织体，两拍一个和弦节奏并保持低音流动性。保持各个和弦音之间良好而均匀的音响关系，在这个乐句内部每个和弦之间的连接要做到连贯而流畅。
2.布鲁斯钢琴
（1）起源及特征分析
布鲁斯（blues）原是南北战争后在美国黑人民间产生的一种歌唱形式，一般曲调缓慢而忧郁。布鲁斯钢琴风格部分源于拉格泰姆，这种风格曾以“酒吧钢琴”（Barrel house）闻名，它和即兴演奏的拉格泰姆钢琴有着千丝万缕的关系。许多来自德克萨斯州和路易斯安那州的布鲁斯钢琴家，在伐木场简陋的酒吧演奏，酒吧钢琴音乐风格便是在那儿产生的。从此许多钢琴家都在小酒吧演奏布鲁斯，还有些钢琴家在那儿为其他演奏者开办了不少钢琴学习班，经过这些音乐家的努力，使布鲁斯钢琴流行了好一阵子。
（2）教学提示
①布鲁斯特有的层次感和曲折感，最适合吉他来表现，布鲁斯钢琴的演奏者常常用“滚奏”（crushing，即按键时不十分同步）来制造出布鲁斯的装饰音和滑奏的效果，并用切分法强调出布鲁斯的节奏。
②它发展的重要特点是低音音型的连奏。主要有“行进”（walk-ing）的八度低音分解和“双音”反复两种形式。有人把它称作“布吉伍吉”（boogie woogie）钢琴风格，也就是左手持续弱奏鲜明的固定低音，右手弹奏旋律，始终是12小节的乐段，并在此框架内不断变换节奏，做即兴表演。
③与“大跨”相比，“布吉伍吉”的右手声部更加细碎。在稳定的低音律动和固定的和声序列的上方，节奏的交错对比和音区的转换是这一形式最为重要的表现元素。
④在弹奏这些表面貌似细碎的短句时，要特别注重其内在的长气息乐句关系，切忌把乐句弹得支离破碎。
⑤布鲁斯的节拍通常为四拍子， “布吉伍吉”低音的节奏起初是均分的，后来也使用了前长后短的摇摆节奏。摇摆节奏的“布吉伍吉”可以用4/4拍来表示，也有记作12/8拍的，这主要取决于其上方的旋律部分的基本律动，再看低音线条的构成方式。
⑥“布吉伍吉”中常用两种方式，一种称为“五度叠加低音”（Double Fifth）；另一种称为“步进低音”（Walking Bass）。
3.博普钢琴
（1）起源及特征分析
在博普爵士时期，博普钢琴已经沿着自己的轨迹独立地发展。在“大乐队”（big-band）爵士时代，阿特·塔特姆已被看做是一位出类拔萃的爵士钢琴家。在沃勒（Fats Waller）模式后，他开始成为“大跨度”钢琴家，并很快成为自己的风格。他凭借双手间断的动作，突然跳进到不同的琴键上，并伴以不断变化的、五光十色的和弦。博普钢琴家继续沿着鲍威尔开拓的道路探索，当时最有影响的钢琴家是比尔·埃文斯。他弹奏时，把左手的节奏功能大部分都丢掉，而代之以支持性的和声。
最后博普钢琴独立地发展，形成了一种强调右手旋律，而弱化左手节奏模式的爵士钢琴体裁，这种体裁的爵士钢琴曲右手多是一连串单音音符，而左手则放弃了“大跨度”体系，以便省略不规则的对比。
（2）教学提示
①在有伴奏的独奏时，低音提琴先奏出和声转换的轮廓，同时保持节奏律动，再由钢琴演奏者根据和声框架即兴奏出旋律。
②右手用的一长串单音音符，更注重和声，而不是旋律。从整体上看，比通常的爵士钢琴所运用的节奏变化要少，经常喜欢演奏3/4拍乐曲。
③力量的连贯和统一，这对于长句子的演奏尤为重要。演奏者必须将力量一直保持到一个连线结束才行，只有这样，所弹奏出来的乐句才能够具有歌唱性。乐句更换的位置要选准，换句话说，就是要把起手离键的位置选准。
④音阶式的快速跑动，对于这种跑动除了要求手指的连贯、清晰和准确之外，同时还要注意到上行旋律与速度和力度的彼此配合，以使其更加流畅和华丽，更好地推动音乐情绪的发展。
（四）创造情境通过爵士背景和社会文化学习加深对爵士文化的理解
我们都知道，爵士乐实际上不是本土的音乐形式，它是由欧美地区传播而来的，积累了大量的欧美本土文化和历史渊源。虽然说音乐无国界，但对于中国学生来说，很好地理解爵士音乐的风格特点，并加以运用和创新，实在是一个艰辛的历程。这就需要老师在传授爵士钢琴弹奏方法的同时，要以提高学生对爵士文化理解与认知为前提，给学生们补充大量的爵士音乐相关文化和历史知识，如此一来，学生可以很好地通过对爵士这一模式特色的理解去深入感知音乐的学习，加快融入爵士环境的步伐，深化学习进度和学习效率。
就像学习语言一样，学生在学习音乐的时候，也需要一个大环境的感染和强化记忆。在爵士钢琴的教学过程中，老师尽可能让学生在其学习生活的环境中多接触此类音乐，有意无意地去感受音乐的魅力和爵士的特征要点。久而久之，学生可以通过潜意识的环境感染而达到飞跃性的提升，并创造出更为新颖的音乐技巧。
课堂教学很容易让学生感觉乏味和无聊，因为惯常的教学方法已经引不起学生学习的兴趣，尤其是音乐教育，更需要给学生创造贴切的情境以帮助学生理解和增强学习动力。所谓创造情境，就是以各种方式为学生提供一个创新和自由发挥的舞台。
我们都知道，爵士钢琴是来源于生活并发展成为自由挥洒的一种弹奏方式，而这种自由的、不需要固定曲谱的弹奏是一个相对较高的音乐层次，需要学生不懈地努力和超强的意志力才能够超越的。为了帮助学生们更快地跨越凭借曲谱和自由发挥的分界线，我会时不时地在课堂或课堂以外为学生提供合理的想象情境。比如在课堂上，假设一场音乐酒吧的美丽邂逅，为学生们设定不同的角色，让他们像戏剧中的人物一样去表演。当学生们融入特定的环境当中时，他们就很容易把心底里蕴藏的潜力和爆发力展示出来。在这个时候，我常常能够听到新的音符和让人眼睛一亮的曲段。
（五）用中国深厚的文化底蕴提升爵士钢琴内涵
渐渐离黑人音乐及现代影响较远的、产生于美国以外的爵士乐，可以说是当今爵士乐的另一发展趋势。在21世纪的今天，并非只有美国产生的爵士乐才是“正宗”的爵士乐。对于中国学生来说，有效地融入中国元素，将爵士乐发展成为独具中国特色的音乐曲风，才是他们未来的发展方向。
同时，这里也涉及一个创新的问题。仅仅学习爵士钢琴的弹奏是远远不够的，能够达成自己的创作和发挥，才是一个钢琴师真正的成就所在。
在西式音乐的基础上，尽可能地融入中国元素，学生通过结合中西方的特色，把自己熟悉的中国风情融入不熟悉的海外音乐元素中，就更能够发挥学生自身的特色，激发学生的开拓精神。
正是那些世界各地致力于爵士音乐创作的音乐人在掌握爵士乐演奏技巧的同时，创新和发展了与本民族音乐风格的融合。只有这样才能使其存在下去，才能有顽强新鲜的生命力，这种用民族音乐与现代音乐融合的做法已经成为一种世界性的发展趋势。在拥有足够的弹奏技巧和对爵士音乐有深刻的理解以后，学生们最终能够用钢琴演绎出自己的感情，将中国深厚的文化内涵融入自己的曲目，使爵士钢琴得以升华。
三、结论
我认为在有限的两年时间内对流行音乐专业的钢琴学生进行有侧重点的教学，可以让学生在有限的时间内掌握更多有利于流行主科学习的知识。同时在教学实践中设爵士钢琴课程，可以更好地体现时代性、通俗化、作品风格多样化的特点。让流行音乐专业学生的钢琴课学习更好地与流行专业相结合，最大限度地发挥钢琴这一乐器之王的功效，全方位提高学生的音乐素质。
参考文献
［1］孙维全、巢志珏.键盘即兴弹奏指南.上海：上海音乐出版社，1994.
［2］韩冬、刘聪编.钢琴即兴伴奏教程.天津：春风文艺出版社， 1993.
［3］陶辛.流行音乐手册.上海：上海音乐出版社，1998.
［4］辛迪.爵士哈农（爵士乐音阶与键盘和声）.北京：人民音乐出版社，2004.
