“三分雕刻，七分漆匠”这句话是朱金木雕艺人的经验总结。朱金木雕的特色主要在于漆而不在雕，依靠贴金箔和漆朱红来进行装饰，因此雕刻并不十分精细，而漆工的修磨、刮填、上彩、贴金、描花却十分讲究。正是这种工艺使朱金木雕产生了富丽堂皇、金光灿烂的效果。朱金木雕自明清以来普遍应用于民间日常生活，如日用陈设、佛像雕刻、家具装饰，特别是与民众生活关系密切的婚娶喜事中的床和轿。除“千工床”、“万工轿”等较典型的朱金木雕家具外，还有用以迎神、赛会、灯会的雕花朱金木船、鼓亭、台阁等也都称得上绝妙的民间工艺精品。
朱金木雕的人物题材多取自戏曲京剧人物的服饰、姿态，称之为“京班体”。“京班体”构图格局均采用立视体，将近景、中景和远景处理在同一画面平面上，前景不挡后景，充实饱满，井然有序。“武士无颈，美女无肩，老爷凸肚，武士挺胸”，这些程式化的民间表现手法，使宁波的传统朱金木雕妙趣无穷。
七、嵊州根雕
嵊州杂木根雕与乐清黄杨木根雕、福建荔枝木根雕并列中国的三大根雕，嵊州根雕更是运用阴沉木（腐木）雕刻出各种栩栩如生的艺术品而名冠天下，有变腐朽为神奇的本事。
浙江嵊州根雕，历史悠久，进入市场始于清末。据根雕前辈周喜老之子周永成忆述，光绪年间，根雕艺术在县内已有一定影响，从20世纪70年代开始家庭作坊生产，逐渐形成新兴产业。1979年创办嵊县工艺美术厂。
嵊州根雕利用天然奇木，按天生形态加工，艺人通过看物有形、手随心移，以自然之理去改造自然之物，达到天人合一的境界。从保护生态环境出发，嵊州根雕是全国最早利用古沉木、枯朽木为原材料的根雕艺术，更符合人与自然的和谐理念。
§§§第五节、竹刻
竹雕也称竹刻，是在竹制的器物上雕刻多种装饰图案和文字，或用竹根雕刻成各种陈设摆件的一种艺术。我国是世界上最早使用竹制品的国家。竹雕艺术自六朝始，唐代备受推崇，明清时期大盛。
竹木雕源于竹木器，从使用竹木器的史前时代开始，到竹木雕艺术独立发展并成熟的明清时代，在中国，经历了几千年的漫长历程。由于不易保存的缘故，在考古发掘中发现甚少。湖南长沙马王堆西汉墓出土的彩漆龙纹竹佃，是现在已知较早的竹雕器。
历史悠久的竹刻艺术，发展至明代中期成为专门的艺术。在明以前，传世竹刻器物及知名刻工绝少。宋代以后，雕刻巨像如洞窟摩崖、寺观雕塑，已渐趋衰落；而可陈置几案的小件雕刻，则异彩纷呈，粲然夺目，如琢玉、镂牙、刻犀、范铜、塑瓷，乃至镌砚、模墨，多为前代所未有。雕刻的体制规模，题材技法，至元明而大变。竹刻就在这一背景下得到了迅速发展。至明中叶，文人艺术家们把竹刻从比较简单的、以实用为主的工艺品，提高到比较细致的、以欣赏为主的艺术品，使之形成为一种专门艺术。
当时也形成了两个竹刻中心，一个是浙江的嘉定（今上海嘉定），一个是江苏的金陵（今南京）。专家把竹刻艺术的发展大致分为三个阶段：明、清前期和清后期。
明代竹刻的技法主要有三种：一是嘉定派以深刻表现高浮雕或圆雕的刻法，代表人物为朱鹤、朱缨、朱稚征，人称“嘉定三朱”或“朱氏三松”；二是金陵派以浅刻或略施刀凿即可成器的刻法，代表人物为濮仲谦；三是以留青作阳文花纹的刻法，代表人物为张希黄。
清初至乾隆（1644—1795）划为竹刻的清前期。单从时间跨度上说，此清前期包括了人们习惯上所分的清初和清中两个时间段。清前期竹雕十分发达，竹刻艺人继承了明代的刻法，同时又有不少创新。乾隆时期仿古之风盛行，在竹刻中亦出现了仿青铜器的竹雕，多见巧思，已毕肖古铜器为能事，鼎、卣、尊、壶，无所不备。
清后期（1796—1911）竹人更多，而且不再限于嘉定、金陵两地，东南诸省各有名工。竹刻技法致力于表现书画之笔情墨趣，都趋向浅刻，浮雕渐少，圆雕则濒绝迹，故称此为以雕刻再现书画时期。清后期的竹刻艺术日渐衰落。
自明中叶至清末，竹刻艺术风格的变化可概括为由明中叶之质拙浑朴，发展为清前期之繁绮多姿，再嬗变为清后期之平浅单一。在技法上经历了一个由浅及深，又由深复浅的过程。深指浮雕、透雕和圆雕；浅即浅刻、留青之类。
竹子因其节实竿挺，虚中洁外，筠色润贞，四季长青，故自古以来被视作祥瑞之物，为人们所喜爱，几千年来一直是文人墨客歌咏和描绘的对象，从《诗经》、《离骚》到绘画中的“四君子”、“岁寒三友”，竹子都是朴素而气质高尚的象征。爱竹，是竹刻技艺登峰造极的情感动力。
一、嘉定竹刻
嘉定竹刻工艺流传于上海市嘉定地区。
明代正德、嘉靖年间，朱鹤（字子鸣，号松邻）以刀代笔，将书画艺术融入竹刻，开创了以透雕、深雕为特征的“深刻技法”，将竹刻从附属于实用工艺的范畴内脱巢出来，成为一门独立的雕刻艺术。朱鹤之子朱缨（字清甫，号小松）、孙朱稚征（号三松），均继承竹刻，且推陈出新。“三朱”确立了嘉定派竹刻的风格。三朱之后，嘉定竹人代有创新。
清代康熙年间，嘉定竹刻进入全盛时期。吴之（字鲁珍，号东海道人）创薄地阳文，层次多变，秀媚遒劲，时人称之为“鬼斧神工”。同期还有封锡禄（字义侯）、封锡爵（字晋侯）、封锡璋（字汉侯）三兄弟，均精于圆雕人物，作品生动传神，时称鼎足。清代乾隆年间，嘉定派竹刻流派纷呈。周颢为领军人物。他集嘉定竹刻之大成，用刀如笔，作品生动浑成，被世人称为“绝顶佳品”。清初，嘉定竹刻即以贡品传入宫廷，康熙、雍正不仅收藏了不少竹刻制品，还将竹人封锡禄、封锡璋、施天章等召入内廷供奉。乾隆不仅喜爱嘉定竹刻，还将自己的诗题写在笔筒上，让竹人刻下。皇家的喜爱倡导，使嘉定竹刻的名声更加响亮。
嘉定竹刻作品有淡淡的书卷气和金石味，风雅绝俗，是历代文人士大夫的雅玩。嘉定竹刻的样式有以竹筒和竹片制成的笔筒、香筒（薰）、臂搁、插屏、抱对等；还有以竹根刻成的人物、山水、草木、走兽等。嘉定竹刻由浅刻、深刻、薄地阳文、浅浮雕、深浮雕、透雕、圆刻等十余种基本技法，有明显的地域性和鲜明的原创性。
二、宝庆竹刻
宝庆，即今邵阳市，旧称宝庆府，地处湘西南。宝庆竹刻是从实用竹器工艺中脱胎出来的一种集观赏、实用于一体的艺术品。明代修编的《宝庆府志》中，就有万历年间宝庆竹刻名师潘一龙及其竹艺作品的记载。清康熙年间，宝庆竹刻艺人王尚智创造发明了翻簧工艺和翻簧竹刻，即将竹子去青去节，剥削出竹簧，经煮、晒、碾，压平整，贴于木胎或竹胎之上，再经抛光打磨，运用不同的雕刻手法在其上雕刻人物、山水、花鸟，其色泽有如象牙，格调高雅。竹簧雕刻一经问世，即成为达官贵人和文人雅士竞相收藏的珍品，并定为清皇宫的贡品和外交礼品，很快流传各地。宝庆竹刻艺术品曾风靡全球，出口到70多个国家和地区。
三、黄岩翻簧竹雕
黄岩翻簧竹雕是浙江黄岩民间传统的优秀工艺美术品种，始创于清同治九年，距今有百余年历史。翻簧竹雕因其雕刻在毛竹内壁的簧面上而得名，亦称“贴簧”、“反簧”。其工艺是将毛竹去青取簧，经过煮、压、刨、晒等工序后，胶合或镶嵌在木胎、竹片上，然后磨光，配上红木等其他装饰材料，制成花瓶、茶叶盒、笔筒、台屏、雅扇等各种工艺品，再在上面雕刻各种山水、人物、花鸟图案，产品色泽光润类似象牙。浅浮雕和线雕是翻簧制品的主要装饰手法，线条粗中有细，疏密结合，在厚度不到半个毫米的簧面上表现出画面的不同层次，尤为精致。黄岩翻簧竹雕在国内堪称一绝，具有鲜明的民族风格和浓郁的地方特色，在翻簧制作上能做到保留竹节翻出竹簧，在翻簧雕刻上广泛使用三棱雕刀等，这是国内其他地区所没有的。
四、无锡留青竹刻
早在明代，江苏无锡（江阴）籍著名竹刻家张希黄创立的留青浅刻山水技法，在中国竹刻史上起到垂法后世的示范作用。清代，竹刻工艺一直在无锡地区流传。1915年，无锡籍竹刻家、金石家张瑞芝（1885—1978）传艺于内弟支慈庵（1904—1974）和长女张契之（1913—1976），并在无锡市中心复兴路开设“双契轩”艺坊。无锡竹刻由阴文浅刻发展到留青浅刻、薄地阳文、阳文糙地等多种刻法，以精细、古雅、秀丽的艺术特色蜚名于沪宁沿线。此后这个家族便以竹刻艺术薪火相传，名家辈出，并世代以“双契轩”为斋号，成为无锡竹刻的传承主体，世称无锡“双契轩”竹刻。
无锡竹刻的早期作品以精刻摹缩金石文字居多。“双契轩”第二代传人支慈庵、张契之自小便学就一手精刻金石文字的技艺，他们在这一刻法的水平和成就，达到了近代竹刻的最高水准。无锡竹刻早期作品的另一内容是镌刻名家书画。张瑞芝在上海时结识了吴昌硕、王一亭、经亨颐、张善子、张大千、张聿光、吴稚晖、沈钧儒、吴湖帆等书画家，常请他们在扇骨上挥毫题诗作画，“双契轩”的竹刻家利用运刀的深浅利涩，将书画的神韵笔意表现得淋漓尽致。作品气韵高古，具备了更多的文人气质，面目为之一新，当时在上海、南京的书画界颇为瞩目。1949年后，无锡竹刻的技法从先前的浅刻向浮雕、透雕、圆雕发展，逐步形成了将留青浅刻与浮雕、透雕、圆雕熔冶一炉的独特艺术风格，在以留青浅刻为主的江南竹刻艺苑中独树一株。
§§§第六节、泥塑
泥塑艺术是一种非常古老、非常普遍的民间艺术。在遥远的上古时代，泥土作为最普通最常见最易于使用的雕塑材料，启发和圆满了古人最淳朴自然的艺术之梦。考古发现证明，我国泥塑艺术可上溯到距今4000至10000年前的新石器时期。浙江河姆渡文化遗址出土的陶猪、陶羊时间约为6000至7000年前左右；河南新郑裴李岗文化遗址出土的古陶井及泥猪、泥羊头时间约为7000年前。这都是可确认的人类早期手捏艺术品。
从生活用品到艺术品，在泥塑艺术的发展史上几乎是同时的。陶器材质廉价、易于制作的特点，使之在日常生活中长期扮演着不可或缺的重要角色。中国是个农业大国，有着长时期的农耕文明史，泥塑艺术代代相传，发展演变，直至今日。
陪葬是中国历史悠久的丧葬习俗，人们相信亡灵如人生在世，同样有物质生活的需求，因此丧葬习俗中需要大量的陪葬品，这在客观上为泥塑的发展和演变起了推动作用。在陕西临潼县发现的秦始皇8000兵马俑，堪称中国古老泥塑艺术的杰出代表。其兵俑神态、服饰各异，色彩均匀，硬度高，距今两千多年而傲然屹立，技艺之高超、阵势之宏大，被称为“世界第八大奇迹”。
两汉以后，随着道教的兴起和佛教的传入，以及多神化的奉祀活动，社会上的道观、佛寺、庙堂兴起，直接促进了泥塑偶像的需求和泥塑艺术的发展。泥塑艺术在唐代达到顶峰。与吴道子同师张僧繇的杨惠之是当时的杰出代表，被誉为雕塑圣手。世称“道子画，惠之塑，夺得僧繇神笔路”。
宋代宗教题材的大型佛像继续繁荣，小型泥塑玩具也发展起来。有许多人专门从事泥人制作，作为商品出售。北宋时东京著名的泥玩具“磨喝乐”在七月七日前后出售，十分受欢迎。元代之后，历经明、清、民国，泥塑艺术品在社会上仍然流传不衰，尤其是小型泥塑，既可观赏陈设，又可让儿童玩耍，几乎全国各地都有生产，其中著名的产地有无锡惠山、天津“泥人张”、陕西凤翔、河北玉田、白沟、山东高密、河南浚县、山东高密以及北京等地。
一、“泥人张”彩塑
泥彩塑是以湿润松软的粘土为主要原料，再添加一定比例的防裂物，混合拌匀后，随类赋色，制作而成的立体造型艺术。
“泥人张”彩塑源自天津。在新中国成立后，天津“泥人张”第三代代表人物张景祜先生调入北京，先后在北京中央美术学院、中央工艺美术学院和北京工艺美术研究所“泥人张”彩塑艺术工作室从事教学、创作、研究工作。“泥人张”彩塑进入首都高等艺术院校，培养了一大批泥彩塑传人，形成了“泥人张”彩塑的北京一支，使“泥人张”的传承方式更具有社会性，形成了个性鲜明的艺术流派。代表人物有：郑于鹤、徐秀堂、张。
二、惠山手捏泥人
无锡惠山泥人相传始于明代。其制作工艺分为：一类是“粗货”，其造型粗犷简洁，色彩明快，挥洒写意，形神兼备。内容大多以喜庆吉祥题材为主，如大阿福、蚕猫、老寿星、渔翁等等，寄托着民间祈求祥瑞、辟邪纳福、丰衣足食的美好愿望。另一类是“细货”，即手捏泥人，这类作品主要取材于传统的戏曲人物、神话传说、民风民俗。人物塑画生动传神，色彩色调秀丽明隽。无锡手捏泥人对材质要求严格，需取当地水稻田深一米之乌土为料。
作为彩塑，彩绘艺术在整个工艺制作中占有较高的比重，有“三分塑七分彩”之说。它以独特的艺术造型、鲜明的民族民间色彩、浓郁的江南乡土气息，深受海内外各界人士喜爱。被誉为“无锡三宝”之一。
三、潮州大吴泥塑
潮州大吴泥塑的历史可溯至南宋理宗嘉熙元年（1237）。清代中叶至民国初为大吴泥塑发展的鼎盛时期。泥塑作坊遍及全村，出现以吴潘强为代表的100多名泥塑艺人。其艺术表现手法雕、塑、捏、贴、刻、印、彩得到完美发展。其中的贴、印、彩的紧密有机结合形成了很强的民族风格，是区别于其它雕塑和民间泥塑的地方艺术特色。
大吴泥塑取材于地方传统戏剧——潮剧的主要情节，民间传说和章回小说故事中人民大众喜欢的题材，另一方面取材与人们生活有关且有意趣的内容。其人物特点组合分为五大门类：第一类戏曲故事人物，具体为文身、武景、臣景、大斧批、文寸。第二类是脸谱、童头、木偶头、纱灯头。第三类是肖像，多以真人为形象进行雕塑，是名师高手方能如此，有较高的艺术性。第四类为神、佛像，系供人膜拜或观赏品。第五类是儿童玩具，如动物、胖娃娃、鲤鱼童，也称“杂锦”。这五大类中的大斧批、文寸已失传几十年。
四、苏州泥塑
苏州泥塑与潮州浮洋泥塑、天津泥人张、无锡惠山泥人并称为中国四大泥塑，名扬四海。在两千多年的历史发展中，苏州泥塑分为两大类：一类是大型泥塑，即庙宇的神佛塑像；另一类是泥塑小品，即虎丘泥人。苏州神佛塑像是传统工艺的一种，其作品以细腻、传神、雅致而著名。泥塑最大的优势是取材方便，一般取当地的山泥，接着就是钉骨架、配制泥（将泥进行粗、细加工）、上泥、彩绘或装金，每个大步骤里面还分若干条小步骤。完成一件作品起码要一两年。虎丘泥人是苏州泥塑的另一种。之所以称作虎丘泥人是因为所需泥土取自虎丘周边的粘土，叫滋泥，这种土黑、细、粘，非常适宜做小品泥人。虎丘泥人最大的特点是写实性强，一般高约10—15公分左右，以戏文为主题的居多。
五、玉田泥塑
